Stieglitz y la fotografía como arte

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Alfred Stieglitz (1864-1946) fue un fotógrafo estadounidense famoso no solo por su propio trabajo artístico, sino también por ser uno de los principales promotores de la fotografía como arte, por sus galerías donde exhibía fotografías y también trabajos de pintores europeos y por editar Camera Work, una de las revistas artísticas más influyentes del siglo pasado. También fue editor de otra revista llamada 291.

Alfred Stieglitz at 291 (1915) - Edward Steichen

Del Pictorialismo…

 

Desde su nacimiento y durante prácticamente todo el siglo XIX la fotografía no era considerada como un arte debido a que por un lado representaba una amenaza para la pintura y por otro porque el consenso de muchos críticos, intelectuales y artistas era que se trataba de un proceso mecánico en el cual el fotógrafo no tenía control o creatividad como sí lo había en la pintura, grabado y escultura entre otros. Dentro de sus detractores se encontraba Charles Baudelaire, quien llegó a decir que “… su verdadera labor era … ser sirviente de las ciencias y las artes” [1]. Por consiguiente, una de las maneras en que los fotógrafos querían hacerse un espacio en el mundo artístico era tomando fotografías que luego manipulaban, tratando de emular lo que los pintores hacían con sus obras. De manera muy simplificada, una fotografía iba a ser artística si se parecía a una pintura.

The hand of man (1902) - Alfred Stieglitz
The hand of man (1902) - Alfred Stieglitz
La Gare Saint-Lazare (1877) - Claude Monet
La Gare Saint-Lazare (1877) - Claude Monet

Siguiendo esa línea de pensamiento, Stieglitz fundó en 1902 un movimiento fotográfico artístico llamado Photo-Secession [2]. El grupo promovía la aceptación de la fotografía como otro modelo de expresión artística a través del Pictorialismo, esa idea de que la manipulación la elevaría al nivel de arte. Para lograr su objetivo, Stieglitz usó mucha de su energía y recursos para ascender a la fotografía a otro nivel, no solo desde el punto de vista artístico, sino también técnico. Aunque en retrospectiva el Pictorialismo puede verse como un esfuerzo desorientado, sí tuvo la convicción de confiar en el potencial de la fotografía como medio artístico y creativo en toda regla. Con respecto a esto último, Sadakichi Hartmann dijo en su influyente ensayo de 1904 “A plea for straight photography” que “… el movimiento de Photo-Secession no es más que la oscilación extrema del péndulo, necesaria para que una reacción en el trabajo fotográfico lo devuelva a un plano artístico normal, pero al mismo tiempo mucho más elevado que el que ha ocupado hasta ahora.” [3]

… a la straight photography

 

Conforme avanzaban los años, Stieglitz se ocupaba en mostrar más arte moderno de vanguardia que fotografía en su galería y en Camera Work. En Estados Unidos fue el primero en mostrar obras de Matisse, Rodin, Picasso, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Rousseau y Renoir [4]. Esto influyó en su manera de ver y entender la fotografía, llegando finalmente a rechazar completamente el Pictorialismo para promover la straight photography, una fotografía directa y sin manipulación, pero siempre artística y expresiva. En el último número de Camera Work (1917) publicó el trabajo de Paul Strand después de mucho tiempo de no publicar fotografías. Su razonamiento era que no había fotógrafos haciendo trabajo de calidad que mereciera ser publicado. De Strand dice: “Su trabajo está enraizado en las mejores tradiciones de la fotografía. Su visión tiene potencial. Su trabajo es puro. Es directo. No depende de trucos en el proceso” [5]. El mismo Strand definió a la straight photography en el mismo número de Camera Work de la siguiente manera: “El poder potencial de cada medio depende de la pureza de su uso … . El problema del fotógrafo … es ver claramente las limitaciones y al mismo tiempo las cualidades potenciales de su medio… . … [debe tener] respeto por lo que tiene delante, expresado en términos de claroscuro … . La realización más completa de esto se logra sin trucos de proceso o manipulación, a través del uso de métodos fotográficos directos.” [6] Este tipo de fotografía representaba el ideal que Hartmann deseaba que se materializara en la fotografía. En el ensayo que ya mencioné expresó: “Esperamos que un grabado se parezca a un grabado, y que una litografía se parezca a una litografía, ¿por qué entonces una impresión fotográfica no debería parecerse a una impresión fotográfica?” [3].

From My Window at the Shelton, North (1931) - Alfred Stieglitz
From My Window at the Shelton, North (1931) - Alfred Stieglitz

El mismo Stieglitz evolucionaría hacia la straight photography en su propio trabajo artístico. Esta corriente dominaría la fotografía durante las décadas por venir. Muchos de los grandes fotógrafos del siglo XX se identificarían con este movimiento y algunos fundarían el famoso Grupo f/64 en oposición al Pictorialismo y avanzando hacia el Modernismo. De hecho, los inicios de la fotografía en dicho movimiento artístico se trazan a una imagen del mismo Stieglitz…

Fuentes

[1] Baudelaire, C. (1859). The Salon of 1859: The modern public and photography. En Frascina, F. y Harrison, C. (Eds.) (1983). Modern art and modernism. A critical anthology. Nueva York, NY: Harper and Row

[2] Hirsch, R. (2017). Seizing the light. A social & aesthetic history of photography (3a. Ed.). Nueva York: Routledge, Taylor & Francis Group

[3] Hartmann, S. (1904). A plea for straight photography. American Amateur Photographer. 16:101-109

[4] (1997). Alfred Stieglitz : Camera work, the complete illustrations, 1903-1917. Colonia, Nueva York: Taschen

[5] Stieglitz, A. (1917). Our illustrations. Camera Work. 49-50: 36

[6] Strand, P. (1917). Photography. Camera Work. 49-50: 3-4

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