En la entrada anterior compartí una fotografía de Yves Klein, la cual seguramente figura en muchas listas formales e informales de las fotografías más icónicas del siglo XX. Lo curioso, para quienes no lo saben, es que Klein no fue quien tomó la imagen (es el protagonista de hecho) y jamás fue o se consideró un fotógrafo. Aunque es muy conocido como pintor, en realidad fue más un artista conceptual. En esta entrada exploramos el trabajo de otro artista que, sin ser o querer ser fotógrafo*, logró dejar huella en este arte.
*Esto cuando ya se estableció como artista. De adolescente se interesó por la fotografía y su padre le ayudó a montar un cuarto oscuro. Y en los inicios de su corta carrera como pintor, tomaba fotografías como base para sus pinturas, lo cual culminó en una epifanía: “¿Por qué tengo que [tomar fotografías para volverlas pinturas]? ¿Por qué las fotografías no pueden ser arte?” [1]
John Baldessari (1931-2020) fue un artista estadounidense (ganador de una Beca Guggenheim en 1986) cuyo estilo y pensamiento o filosofía lo llevó a practicar y experimentar diferentes medios, incluyendo la pintura, video, instalación, escultura, apropiación y fotografía entre otros. Sería más fácil describirle como un artista conceptual, pero no le gustaba el término “arte conceptual”, ya que le parecía muy limitante, prefiriendo en su lugar el de “post estudio”, el cual es más inclusivo e incluye a artistas haciendo arte en formas poco convencionales. [2] Gran parte de su carrera también la dedicó a la docencia, un tema que también está muy vinculado con su arte**.
**Otros temas recurrentes en su obra son el humor y la irreverencia.
CONEXIÓN KLEIN-BALDESSARI
Aunque tenían casi la misma edad, el trabajo de Yves Klein tuvo influencia en la manera en que Baldessari entendía y practicaba su arte. Luego de ver una exposición de Klein en una galería local, Baldessari recuerda que la experiencia desafió todo lo que sabía acerca del arte: “[Solo había] pinturas monocromas en azul, todas del mismo tamaño. Y me dije ‘esto no puede ser arte’. Pero en mi análisis rompió… Rompió algo por ahí”. [2] Esta “ruptura” obviamente hace alusión a las maneras en las que el arte se puede manifestar, más allá de los medios tradicionales pictóricos figurativos o incluso abstractos. Acerca de la misma exposición agrega: “[Los canvas azules] desafiaba[n] la suposición básica que yo tenía de que hay que dejar alguna marca en el lienzo. Pero normalmente el buen arte tiene esa autoridad: ‘Yo te diré lo que es el arte’.” [3]
Sin embargo, la conexión no termina ahí. Como vimos en la entrada anterior, la famosa fotografía de Klein fue tomada por los fotógrafos Harry Shunk y János Kender. En 1971, Baldessari fue uno de varios artistas convocados por el MoMA para participar en el proyecto “Pier 18”, en el cual 27 artistas realizaron trabajo experimental en un muelle abandonado documentado fotográficamente precisamente por Shunk y Kender. Desafiando las tradicionales reglas de composición fotográfica, Baldessari pidió que se fotografiara una pelota en pleno rebote en la mitad del encuadre. Baldessari conocía la buena reputación que ambos tenían, así que “…mi estrategia consistía en impedir que hicieran bellas fotografías. Supuse que estarían tan ocupados [intentando centrar la imagen de la pelota] que no podrían hacer una buena composición. Seguí con esa idea, utilizándola como recurso.” [4]
LA CONTINUACIÓN DEL CONCEPTO
Entre 1972-73, Baldessari idearía las que serían las series más famosas de su carrera (al menos en el ámbito fotográfico, y la razón por la cual algunos lo consideran como fotógrafo). Partiendo de lo realizado en “Pier 18”, Baldessari toma el concepto de fotografía, pelotas y azar para realizar “Throwing Three Balls in the Air to Get a Straight Line (Best of Thirty-Six Attempts)” (1973)***.
***Otras series similares son “Aligning: Balls” (1972), “Trying to Photograph a Ball so That It Is in the Center of the Picture” (1972–1973), “The Artist Hitting Various Objects with a Golf Club so That They Are in the Center of the Photograph” (1972–1973), “Throwing Four Balls in the Air to Get a Straight Line” (1972–1973), “Throwing Three Balls in the Air to Get an Equilateral Triangle” (1972–1973) y “Throwing Four Balls in the Air to Get a Square” (1972–1973).
En estas series, Baldessari se adentra dentro de la fotografía y el performance/happening, invitándonos a descifrar uno o varios conceptos relacionados con el medio y también con el arte en general. Ciertamente este tipo de arte no es para todos, y de hecho habrá quienes argumenten que ni siquiera es un trabajo fotográfico “tradicional” (un argumento válido) o incluso de que ni siquiera es arte. Sea como fuere, con estas opiniones Baldessari (y artistas similares) ya logró su cometido: hacernos pensar acerca del arte en sí.
Al igual que Klein y el proyecto “Pier 18”, las fotografías de estas series no fueron tomadas por el propio Baldessari, sino por su entonces esposa Carla Wixom. [4] A propósito o no, con este gesto Baldessari también hace un comentario acerca de la autoría de una imagen, un tema contencioso dentro de la práctica fotográfica (aunque como ya sabemos, el arte de Baldessari no puede reducirse a la fotografía como la entendemos los fotógrafos).
Fuentes
[1] Tomkins, C. (2010, octubre 11). No more boring art. The New Yorker. Recuperado de: https://www.newyorker.com/magazine/2010/10/18/no-more-boring-art
[2] Oral history interview with John Baldessari, 1992 April 4-5. Archives of American Art, Smithsonian Institution. Recuperado de: https://www.aaa.si.edu/collections/interviews/oral-history-interview-john-baldessari-11806
[3] Roth, M. (1973). Interview with John Baldessari (1973). X-TRA. Recuperado de: https://www.x-traonline.org/article/interview-with-john-baldessari-1973
[4] Kelsey, R. (2015). Photography and the art of chance. Londres, Inglaterra: Belknap Press
